Barbara Storck-Brundrett bringt es auf den Punkt: Die Realität bietet einer Künstlerin so viel Stoff, dass sie voll aus dieser schöpfen kann. Heißt das, dass ihre Kunstwerke nur ein Abbild der Realität sind? Keineswegs. Storck-Brundrett verdichtet die Informationen, die sie im Supermarkt, in den Medien oder in der Natur aufnimmt, und erzählt mit ihren "Produkten" neue Geschichten ... Mehr...
In ihrem Werk gibt es zwei große Werkgruppen: die "Unruhekissen" und die Tuben. Bei den Unruhekissen, die von der Form und ihrer Dreidimensionalität Kissen zu sein vortäuschen, handelt es sich um Leinwände, die eher in den Bereich der Alpträume als in den der süßen Träume abdriften. Während ein Ruhekissen zum Träumen einlädt, evozieren Barbara Storck-Brundretts Kissen Bilder von Unheil und Kuriosem: menschenleere Strände, an denen nur die Hinterlassenschaften der Strandbesucher zu sehen sind; Krokodile im Schwimmbad; schöne Blumen, die bei näherem Hinsehen, hungrige Mäuler als Fruchtblatt haben. Wie Träume, erzählen ihre Unruhekissen Geschichten. Und genauso wie Träume manchmal merkwürdige Zusammenhänge in Verbindung bringen, die einer Interpretation bedürfen und einen morgens nach dem Aufwachen rätseln lassen, so überlässt sie es dem Betrachter die Szene/den Tatort zu rekonstruieren.
Ihre Tuben sind viel direkter - und gleichzeitig ein Bluff. Auch sie sind dreidimesionale Leinwände - also keine Tuben im herkömmlichen Sinne. Sie geben vor, etwas zu enthalten, was es so nicht gibt, was man sich aber vielleicht wünscht - wie z.B. eine schnelle Lösung für ein dringendes Problem. Ihre Tuben sind sowohl ein Spiegelbild der Werbung mit ihren Versprechen als auch der Menschen mit ihrem Wunschdenken. Indirekt spricht sie unsere Verführbarkeit an. Der Erfolg von Teleshopping und populistischen Politikern beweist, dass viele Menschen es vorziehen, lieber nicht nachzudenken statt sich kritisch mit Versprechen und Inhalt auseinanderzusetzen.
Im Grunde ist die Realität manchmal ziemlich absurd. Satire und Humor sind Mechanismen diese Absurdität auszuhalten und diese mit Hilfe der Kunst auf den Punkt zu bringen.
Virtual 5: Steve Johnson - What is seen and what is made
01. September - 31. October 2016
A guiding principle in Steve Johnson's work over three decades has been the idea of architecture as metaphor. Johnson observes the urban landscpae with its landmarks, different types of building and transport networks and makes art from these observations.
Looking is one thing; creating art is something entirely different. Mehr...
The entire process involves recording what's out there on the street or inside a building and then reconstituting that information into metaphorical meaning. These changes are often referred to as "artistic license". Johnson prefers to call it "concretizing the mind".
In his case the recorded research is often photographic and the resulting sculpture usually created by hand (his hands) with the aid of modern workshop technologies.
This virtual exhibition is an opportunity to show the difference between the concrete world as a stimulus or reference point compared with the finished works of art.
Translating everyday experience into visual expression can be one of the roles of a visual artist. Translating really is where art resides in today's world where anyone who owns a phone is a photographer.
Translating involves artifice, trickery, exaggeration, addition and erasure and at turns can be dramatic, witty, shocking, political and melancholic. It can embody any number of abstract thoughts. In Johnson's case, what is made is never what is seen in the actual world. The translation can sometimes be straightforward, minimal and easily understood. It can also be so oblique as to confound easy explanation or understanding.
Editing out and hybridising data from lots of research photos demonstrates one kind of translation. It also illustrates subjective decision making. This method doesn't create a replica of a real place or become an architectural model to be built out of bricks at some point in the future.
Johnson's works are psychological models in three dimensions. You could call it the difference between an urban landscape and a mindscape. Who is to say which is more real?
The artist would like to thank Peter Cattrell, Marius Domkus, Martin Pfahler, Stephen Robson and Ulrike Kutschera for their photographic assistance in realizing Virtual 5.
With our "virtual" series we are able to show exhibitions not normally shown in a gallery. This is particularly the case in Konrad Winter's exhibition "public". That is because it showcases artwork that he has made for or displayed in public spaces. Instead of having to travel from Salzburg to Freiburg and from there to cities in Northern Germany his projects can be seen compiled here. Mehr...
Commissioned work is created under different circumstances than non-commissioned work by an artist. Architecture and space need to be taken into consideration, as well as visual axes and viewpoints. In addition, the ideas of those for whom the artwork is being made need to be taken into account - after all, the artwork will probably have impact on public perception or maybe even convey a feeling of identification with a project or company.
Konrad Winter has different series of works. His best known series is no doubt his "camouflaged landscapes". Instead of just camouflaging an object within a landscape, he camouflages in his paintings cities, parks and landscapes. Up close the viewer only sees amorphous colored shapes. Not until the viewer has backed away from the painting is he or she able to recognize the scene. This oscillation between abstraction and representation can be seen and read in the title of his biggest project so far made for the Pathological Institute of the University of Freiburg Medical Center: Cell Structure (Münsterplatz) - see pictures 13 - 17. Depending on where the viewer is standing, he or she might only see colorful "cell structures" and think that the artist found inspiration for his painting in some of the microscopic images made at the institute - if not for the hint in the title: "(Münsterplatz)".
"Abendgesellschafter" - a word coined by the artist that can be translated with "evening shareholder" - smile in bright yellow with black contour lines from the walls of the parking garage at Salzburg Central Station and show the drivers the way to a parking spot - see pictures 4 -7. The series "evening shareholders" refer to portraits of famous persons that can be seen in the evening during prime time. Are the shareholders sharing/spending time with the TV viewers in the evening - or are they socially important people who can be seen in the evening on TV? Oder are they shareholders in terms of a stock company? One possible answer to these questions came from the artist in 1996 in his installation "TV room" at the Galerie 5020 in Salzburg - see picture 2. In the room there is a television armchair, a side table, a floor lamp and a television. All of the furniture is encased in a uniform wood look ... rustic oak? On the wall are six colored wood panels in the size of a TV screen with scenes from films. One chair in front of the TV for one person - that's the whole room.
There is also a lightbox in the parking garage with a stamp print that belongs to Winter's series of work "Deutsche Aktien", in English "German stocks". From a distance this work looks like a mosaic - or like a pixeled photograph. The "pixels" are made of company logos from stock companies, such as Telekom, bayer, Deutsche Bank, VW or Daimler.
All three series have in common that they work with stored pictures in our collective memory. The media confront us with an ever growing flood of images. Views of cities, photographs of public figures and corporate logos of world-wide operating companies trigger a reaction of associations and recognition. Konrad Winter works with this strategy even in his youngest commissioned works for the Sparkassenakademie Stuttgart - even though the pool of images was smaller this time - see pictures 28 and 29 . In this case his paintings were based on the favorite photographs of the employees.
Virtuell 3: Albrecht Wild: Ukiyo-e. From the country of the rising sun
1. - 31. May 2016
For more than a decade Albrecht Wild has been travelling sporadically to the Far East. His first trip was triggered by his first exhibition in Japan (Kaze Gallery, Osaka, curated by the Goethe Institute in Kansai). The pull of Japanese culture, that exhilarating mixture of tradition and hypermodern technology, has since then never ceased to have an effect on him. He enjoys submersing himself into the "deep waters" of foreign cultures - and it was only a question of time when these experiences would have influence upon his artwork. Mehr...
Coincedence - besides collecting material (in Wild's case: coasters) and a clear concept - is a driving force for his art. Shortly before departing from Tokio-Haneda airport, he invests his last yen in souvenirs: coasters cut in the shape of kimonos and printed with traditional patterns. He buys many of them, knowing that he always needs three identical coasters to make one piece of art.
Back at his studio in Frankfurt he creates out of these special souvenirs his first "Haneda-Kimonos". These complement his ongoing and ever-increasing group of "beermats", the name of his series of work in which coasters replace pigment, so to speak. While looking for fresh material (this time born of necessity via on-line research), Wild - again coincidentally - discovers coasters from the 1970's and starts purchasing "Ukiyo-e" coasters by auction from all over the world (USA, Canada, Japan, Europe).
These coasters were designed and produced decades ago by (among others) airlines for marketing reasons and, in particular, for promoting the new flight routes to the then aspiring economic power Japan. Albrecht Wild buys all of the coasters he can get on-line - until the prices start going up. Thus the series "Ukiyo-e" came to be.The precious vintage "pigments" are made into unique "beermats". What started at the airport in Tokio, virtually continued in the airline industry - just like the way one usually reaches and leaves this wondrous yet curious group of islands: by air. One could conclude that this story has come full circle at this point, however, that is not the case.
At the same time that this virtual exhibition is on-line (May 2016), Albrecht Wild is wandering the narrow streets of the district of Gion in Kyoto, with the tune of "Alone in Kyoto" by Air (Jean-Benoit Dunckel, Nicolas Godin) in his head from the not less fantastic movie "Lost in Translation" by Sofia Coppola. But that is a different story ...
Virtual 2: Charlotte Trossbach - focus on the studio
1. - 30. April 2016
"Focus on the studio" - the artist Charlotte Trossbach meant it seriously when she chose this title for her virtual exhibition - or should we say "literally"? An artist's studio is his or her realm of creation. It is the place where the artwork is made that is possibly destined to be shown in an exhibition. At exhibitions the focus is on the finished pieces of art - and not on the space in which they were produced. Mehr...
Some artists have huge warehouse spaces where they work, others rent a room in a studio community. The latter offers the advantage that the artist is not so alone - there is always a colleague or two around for conversation, for talking about the latest works or just to drink a cup of coffee with. Back in the studio the artist is once again alone ... with a blank canvas.
Just like writers have rituals or develop strategies to start writing, artists too develop their own "ignition system". But even though an artist may know what he or she wants to paint, that doesn't mean that the phase of critical self-questioning is over. Instead new quesitons arise: Is the painting going in the right direction? Can this or that (still) be painted? When should the artist stop painting? When is a painting finished?
This virtual exhibition directs the focus towards the space around Charlotte Trossbach when she is working as well as towards the time space before a painting leaves her studio to be shown in an exhibition. Trivial tasks such as washing out her brushes can be seen, as well as the moments in which her view wanders to the reflections on the ceiling or floor from the disco balls (yes, they are still around).
Focus on the studio: This virtual exhibition concentrates on the act of painting's "scene of the crime".
"Freedom for art!" Thomas Baumgärtel started fighting for this maxim as a student - and his battle has been going on ever since. Some may say this postulate is totally exaggerated, but liberty is not a matter of course. One only needs to think of the imprisonment of Pussy Riot or the attacks on Charlie Hebdo. Mehr...
During the third decade Baumgärtel and his artist colleagues fight to maintain their studios and "hall 10" on the grounds of the former Clouth factory facilities in Cologne-Nippes - and they lose the battle. Baumgärtel expressed his disappointment in the city of Cologne and its lack of commitment for artists on a mural made during the Cityleaks Festival in 2011: the red garpet is rolled out for investors, while artists must use a battering ram to enter the city. What is art and culture worth?
Small anecdote: on a tour through Berlin a bus full of tourists passes the Federal Chancellery. The guide, a native of Berlin, points out the sculpture "Berlin" by Eduardo Chilidda in front of the building. She gives her best to her aversion to the sculpture and reaches the climax of her vocal excursion when she names the price paid for the sculpture. Laughter breaks out on the bus - a lot of the people on the bus seem to have little understanding for art but much sympathy for the guide. No attempt is made to describe the sculpture - except with the words "rusty" and "expensive". Only one sentence was missing: "My son/my daughter could have made that!"
This makes it all the more pleasant that in the year of the 30th anniversary of the spray banana the very first art exhibition ever to be shown in the former Government Bunker near Bonn this March will be with works by Thomas Baumgärtel and his colleague Harald Klemm. "German unification" is the title of the exhibition - it could hardly be more fitting.
30 years spray banane - 30 years of art - 30 years of history.
Many thanks to Thomas Baumgärtel for opening his archives for this series of virtual exhibitions.
Eine wichtige Serie von Bildern in Thomas Baumgärtels Oeuvre sind seine Metamorphosen der Spraybanane. Von der Originalbanane ausgehend transformiert er die gelbe Frucht in andere Bilder. Mit anderer Biegung und veränderter Form wird die Banane etwa zum Dollar- oder Euro-Zeichen. Oder sie bekommt schwarze Fünfecken und wird zur Fußballbanane. Mal taucht die Banane fast unverändert auf, wie bei der Metamorphose "Hammer + Banane", wo sie sich fast unauffällig als Teil des Zirkels tarnt. Mit Hilfe zweier Bananen formt Bäumgärtel das Paragraphenzeichen nach. Irritierend ist, dass dieses neue Zeichen beim flüchtigen Blick kaum vom Original zu unterscheiden ist - mal abgesehen von der gelben Farbe. Mehr...
In Teil 2 dieser virtuellen Ausstellung werden die Jahre von 1996 bis 2006 beleuchtet. Baumgärtel hat seine Studien der Kunst und der Psychologie längst abgeschlossen. Seine ersten Atelierumzüge nach dem Studium hat er auch schon hinter sich. Die Wirkung seiner Kunst, dieses Spiel der Aktion und Reaktion, schon einige Jahre erprobt - mit allen positiven und negativen Folgen. Er ist schon weit über Köln hinaus bekannt. 1997/98 geht sogar der Bayerische Rundfunk mit ihm 2 Wochen auf Tour und dreht einen 45 minütigen Filmbeitrag.
Aber ein Künstler ist immer auf der Suche nach dem nächsten Bild, nach dem nächsten Auftritt. In dieser Zeit reifen zwei Großprojekte Baumgärtels heran: die Banane im Kölner Dom zum 750. Jubiläum des Doms im Jahr 1998 und die Banane im Brandenburger Tor in Berlin. Das erste Projekt wurde nach zwei Jahren Planung und Arbeit in einer Nacht- und Nebelaktion am 5. August 1998 umgesetzt. "Wir lieben die Hohe Kirche" titulierte Baumgärtel das Projekt. Kunst und Kirche war schon sein Thema als junger Zivildienstleistender (siehe Teil 1) - und schon damals hat er die heftigen Reaktionen zu spüren bekommen. 1998 sollte es nicht anders sein. Der von Baumgärtel angestrebte "Dialog" mit der Kirche blieb aus - das Hauptportal der Hohen Kirche wurde vorübergehend geschlossen.
Während manche Kritiker Baumgärtels Provokationen als Aufmerksamkeit suchende "publicity stunts" abtun, feiern ihn andere für seinen Humor und seine Kreativität, die Freiheit der Kunst immer wieder zu demonstrieren - ohne Angst vor Folgen und vorauseilenden Gehorsam. Insofern endet dieser zweite Teil der 30-jährigen Geschichte mit der dazu passenden Ausstellung und Performance im Oberlandesgericht in Köln 2006. Der Titel der Ausstellung: "Krumme Dinger". Die krumme Banane, die bei Baumgärtel für so vieles steht - aber zuallererst für die Kunst und deren Freiheit, wird an einem Ort ausgestellt, wo die Gesetze einer offenen und liberalen Gesellschaft angewandt werden.
Nochmals herzlichen Dank an Thomas Baumgärtel, dass er sein Archiv zur Verfügung gestellt hat!
Die folgende Compunteranimation ist von Step-Ani-Motion, Konzeption von Thomas Baumgärtel und Musik von Simon Stockhausen.
Im Jahr 1986 wurde die erste Banane gesprüht. Wo die allererste Banane gesprüht wurde, lässt sich nicht mehr genau rekonstruieren. Es war auf jeden Fall in Köln - damals die Kunstmetropole Deutschlands. Heute sind es Tausende von Kunstorten, die der Bananensprayer Thomas Baumgärtel mit seinem persönlichen Qualitätssiegel ausgezeichnet hat. Im Januar starten wir eine Reihe von virtuellen Ausstellungen, die wir fortsetzen bis die DavisKlemmGallery nach der Sommerpause ihre neuen Räumlichkeiten eröffnet.
Klicken Sie sich in der Bildergalerie von Bild zu Bild - und Sie sehen in einer Bilddokumentation, wie sich die erste Dekade der Spraybanane entwickelt hat. Mehr...
Im Teil 1 untersuchen wir die Anfangsjahre der Spraybanane.
Was bringt einen jungen Zivildienstleistenden (Anmerkung: in der dritten
Instanz erst wurde er vom Wehrdienst befreit - ein früher Beweis seiner
Hartnäckigkeit.) in einem katholischen Krankenhaus im Jahr 1983 auf die
Idee, eine Bananenschale an einem Kreuz zu befestigen als Ersatz für die
zerbrochene Jesusfigur? Thomas Baumgärtel, in Rheinland aufgewachsen, hat
eine Reaktion einkalkuliert – vielmehr hat er bewusst eine Reaktion
provoziert. Dieses Spiel zwischen Aktion und Reaktion sollte prägend sein
für seine Kunst und für seine späteren Projekte.
Von 1985 bis 1990 studiert Thomas Baumgärtel Freie Kunst an der
Fachhochschule in Köln. Ein Diplom in Psychologie folgt, sowie eine
Ausbildung zum Kunsttherapeuten. Die Erinnerung an die „Ur-Banane“, wie er
die Bananenschale am Kreuz nennt, lässt ihn als junger Student nicht los.
Vielmehr ist es der Ausgangspunkt für eine intensive Auseinandersetzung mit
der Banane als Ersatz, als Stellvertreter, als Symbol für Freiheit, für
Schalk, für Krummes, für … Alles.
1986 entwickelt er die „Spraybanane“, mit der er zunächst in Köln von ihm
für gut befundene Kunstorte markiert . 1987 schreibt er selbst über sein
„Bananenprojekt Köln“: „ich wollte in einer genauen Dokumentation und
Untersuchung festhalten, welche Wirkung das Graffiti hat, was die Leute in
die Banane hineinsehen, und wie sie sich ihr gegenüber verhalten.“ Das
konnte er am eigenen Bankkonto erleben: zahlreiche Geldstrafen für
Sachbeschädigung und Reinigungsdienste. Aber es gab auch Anhänger seiner
Idee - Briefe von Galeristen, die auf eine Banane warteten, oder deren
Banane unachtsam übermalt worden war und nun vermisst wurde. Der
Bananensprayer war angekommen.
In dieser Reihe von virtuellen Ausstellungen wollen wir zum 30. Jubiläum der
Spraybanane Baumgärtels Idee beleuchten und einige Höhepunkte seiner
Geschichte in Erinnerung rufen. In drei virtuellen Ausstellungen werden die
drei Dekaden beleuchtet. Zweifelsohne gehört Baumgärtels Bearbeitung von
Wolf Vostells Plastik „Ruhender Verkehr“ auf dem Hohenzollernring in Köln zu
den großen Projekten der ersten zehn Jahre. Es ist ein Paradebeipiel für das
Spiel zwischen Aktion und Reaktion.
Die erste Übersprühung mit Bananen war am 16./17. März 1993. Anfang April
begann er auf dem „Dach“ der Vostell-Plastik zu zelten. Die Überschrift der
Kölner Stadtanzeiger vom 10./11. April 1993: „Bananenstreik auf Kölns
kleinstem Campingplatz“. Wolf Vostell war nicht mit der Überarbeitung seines
Kunstwerks durch Baumgärtel glücklich und wollte, dass es von Bananen
befreit wird. Baumgärtel geht in den Bananenstreik und beginnt
Unterschriften pro Banane zu sammeln. Am 17. April wird die Plastik von
einem Unbekannten mit weißer Farbe grob übertüncht. Anfang Juni sprüht
Baumgärtel dann die „Euroversion“. In der Nacht vom 23. auf den 24. Juni wird
die Skulptur abmontiert und wegtransportiert - für die Reinigung. Wie
Baumgärtel darauf reagierte, ist in der Bildergalerie zu sehen …
Ich bedanke mich sehr herzlich bei Thomas Baumgärtel, der sein sehr
umfangreiches Archiv für dieses Internetausstellungsprojekt zur Verfügung
gestellt hat.
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